澳门新葡亰51888“Abstraction(s)|隐形于色——抽象艺术群展”在松美术馆开幕

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引言
被誉为帝都美术馆颜值担当的「松美术馆」,目前正在举办名为“Abstraction(s)隐形于色”的抽象艺术群展。小编被那张清淡的海报和美术馆仙风道骨的园林吸引,在利奇马刚刚离开北京的第一天,品味了这次关于色彩的视觉盛宴。
△松美术馆实景
《Abstraction(s)隐形于色抽象艺术群展》一共展示了13位艺术家的作品,与主题里“色”切题,展出的作品将色彩作为表现对象。参展艺术家的年龄跨度近七十岁,每件作品背后都有艺术家个人成长经历的影子。
如果你喜欢玩“色”,对色彩有天生的敏感,即使不懂抽象艺术,也会非常享受这次的艺术展。△本次参展艺术家名录
鉴赏法则一:多了解创作背景
进入美术馆正厅,迎面的作品是《无题》。这件作品是本次群展中最年轻的艺术家
Alex Israel的作品。△《无题》,Alex Israel
Alex本次还有另外一件作品展出,也叫《无题》。这两件作品的灵感来自洛杉矶建筑和城市景观,让人联想到抽象的落日。
△《无题》,Alex Israel
单纯从视觉的角度看,这两件作品只是单纯的渐变色块,但是在艺术家眼里,作品包含了自己生活过的城市的记忆。
△洛杉矶的日落,与Alex作品的色调基本一致
Alex是好莱坞造星与流行文化的经历者,他把自己对流行文化、明星崇拜、快餐消费等的理解,用挂着霓虹色料的画板进行演绎。作品在几个重复的形状上不断变幻色彩,用光鲜的外形、艳丽的色彩等来讽刺明星效应、娱乐过度消费、快餐式文化等当代社会现象。
上面这些介绍,单纯凭肉眼看,真的完全get不到艺术家的点。
为什么说欣赏抽象艺术需要结合作品背后的时代和艺术家本人的经历?因为目光所及的只是作品的一部分,想要跟艺术家共情,需要花时间去了解每一个作品的创作手法和背后的故事。
鉴赏法则二:尝试理解创作方式
再来看韩国艺术家河钟贤的三件作品《联合17-303》《联合17-401》《接合17-301》

三个纯色的巨型画布,画布上均匀分布着底色,底色上是颜料刷过的痕迹,线条凹凸感非常明显。
△河钟贤系列作品
这三幅作品的创作故事是这样:艺术家将颜料厚厚地涂在麻布背面,然后一直按压,直至颜料渗透至另一面。这种花大力气和时间创作方法叫背压法。
仔细看,颜料在麻布上被挤压出来的痕迹同时保留了颜色和麻布二者的质感。
△河钟贤系列作品表面的肌理
河钟贤利用纯色,通过画作深入的冥想,省思身体与心灵之间的关系。如果你面对作品毫无感觉,了解一下“背压法”也蛮有趣。
△Turi Simeti作品 喜欢用纯色表达抽象艺术的还有Turi Simeti。
Simeti的每张画布都只呈现一种颜色,画布下面分布着椭圆形的木桩,与最外一层紧绷的麻布相互作用,呈现出像浮雕一样的效果。不同的作品中椭圆形数量和位置会有变化。
△Turi Simeti作品 △Turi Simeti作品
Simeti强调艺术品的物理存在,探索在单色和触觉画布表面上与光线创建的形状。△Turi
Simeti作品细节:木桩与绷紧的画布之间产生的“浮雕” Mark
Hagen的作品跟河钟贤的作品创作手法相似,都是按压颜料使其透过麻布,但是Mark在麻布下面垫了玻璃板和几何形状切割的瓷砖,待颜料干透后将画布取出,得到一副布满几何图案的作品。
△《未命名》,Mark Hagen作品 △Mark Hagen作品细节:在玻璃上按压过的痕迹
△Mark Hagen作品 鉴赏法则三:看不懂无需楞懂
美术馆二楼这一组作品非常引人注目,从远处就能看到三个巨大无比的眼影/腮红盘挂在墙上。这是Sylvie
Fleury的彩妆系列作品。通过这些巨大的彩妆盘,艺术家对化妆品及时尚消费背后的欲望与权利结构提出了质疑。△《玫珂菲腮红盘》,Sylvie
Fleury△《轻柔透纱胭脂》,Sylvie Fleury
这三幅作品是这次群展中唯三不那么“抽象”的,借鉴了波普艺术的表现形式,并把眼影和腮红的质地做得跟实物几乎一致。
△眼影盘中闪闪发光的金粉,非常逼真
看不懂怎么办?只要你觉得这件作品看着“舒服”,让你觉得有美感,即使看不懂也没关系。
鉴赏法则四:沉浸在作品中 这次的展让人最印象深刻的作品叫《樱桃》。
首先你要先通过一个暗室,工作人员会引导你在一片漆黑的走廊里行走,直到你几次碰壁后踉跄着来到一间同样漆黑但是闪着红色投影的房间你眼前有一个暗红色的方块。视线前方参观者的剪影会与暗红色方块结合成不同的画面。
这个作品由大热的艺术家James
Turrell创作,他利用光线和空间向观众展现人类感知的极限和视觉奇迹。
△《樱桃》,James Turrell
如果你持续在这间暗室里面盯着这个红色的屏幕,时间久一点会发现屏幕出现了幻影。别担心,这是视神经在光线和颜色面前制造的假象。
“光”是James重要的创作素材。本次群展他的另外一组作品也借助了投影,是作于1990年的蚀刻凹版画“第一束光”系列。在一个光线较弱的空间里,艺术家利用角投影在纸上投射出不同的几何体形状。△第一光束系列,James
Turrell
你觉得看到的是画?还是一束光?这种沉浸在作品中的思索,比理解作品本身更有意义。
跟作品互动起来,感受艺术家的创作意图
松美术馆的“清淡”,让这些色彩斑斓的艺术作品皆“在此隐形”。英文主题Abstraction(s)单词后缀的“s”别有深意:策展人Nicolas
Trembley希望借由“群展”与“复数”表达抽象的多种表达方式和含义。
一起来欣赏其他几个艺术家的作品吧~△Gnther F?rg绘画作品△Gnther
Frg雕塑及绘画作品。在福尔格晚期的作品中,网格变得愈加随意,甚至让位于近似涂鸦的色块堆砌△《无题》,Gnther
Frg △《无题》,Anselm
Reyle。亚克力罩子里面的装置看上去像软趴趴的锡箔纸,但是实物的材质非常坚硬△《贝詹姆特》,John
M
Armleder。画面的颜色是“泼”上去的,又被称为“倾倒绘画”。他在垂直或水平放置的画布上随意倾倒颜料,然后用各种前卫材料加以混合。艺术家会根据不同城市对作品做地域化调整,比如北京这次他选用了亮闪闪的派对帘子分隔油画△《张力》,John
M
Armleder。这是一个装置艺术作品,灵感来自街头的花店。花瓶里摆放的是鲜花,需要随时更换保证新鲜△《货币战争-新和旧的10元人民币》,徐渠。作品将人民币上的防伪纹放大,并进行了艺术创作。徐渠将全球各地纸币上的图案细节转换为多彩的抽象构图,蕴含了文化和金融的双重意义△《无题》,Vivian
Springford。Vivian
Springford,本次群展艺术家中年龄最大的一位,作品受中国书法、道家和儒家思想的影响△《无题》
,Jean-Baptiste
Bernadet△《水滴》,金昌烈。当日偶遇尚雯婕在松美术馆做艺术分享沙龙,她背后这幅画即是作品《水滴》
△《水滴》,金昌烈。画布上的水滴是画上去的。画上去的。画上去的。
本次探展特别感谢艺术头条和OPPO校园的邀请。

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摘要:“
单色画艺术家们的创作蕴含自身文脉和本土语汇,艺术家们的创作手法具有深厚而精湛的手工技艺,每个人都有各自独特创作手法和风格,他们几十年如一日的创作过程如同修行,超凡脫俗。”河钟贤系列作品,松美术馆展

2019年7月19日,在盛夏的骄阳中,松美术馆新展
Abstraction(s)|隐形于色–抽象艺术群展正式拉开帷幕!


单色画艺术家们的创作蕴含自身文脉和本土语汇,艺术家们的创作手法具有深厚而精湛的手工技艺,每个人都有各自独特创作手法和风格,他们几十年如一日的创作过程如同修行,超凡脱俗。”

松美术馆新展 Abstraction(s)|隐形于色–抽象艺术群展
开幕(本文图片由松美术馆提供)

河钟贤系列作品,松美术馆展厅

作为松美术馆的又一重要群展,本次展览汇集了不同年代的13位艺术家的精选作品,参展艺术家们各自代表了这八十年间以十年为单位的不同阶段,展览从主观视角勾勒出近一个世纪以来抽象绘画演变中的五种表现形式。

20 世纪70年代初期,河钟贤(Ha Chong-Hyun)凭借“ 联合
”(Conjunction)系列作品声名鹊起。这些早期试
验帮助他创立了自己的标志性风格,即将颜料厚涂于麻布背面,然后向正面按压使其穿透布面纹理。

展厅概况

作为韩国“单色画”(Dansaekhwa)运动的重要成员,他对材料和绘画工艺的创新在东西方前卫艺术与传统之间架起了一座桥梁。他的创作需要耗费极大的体力和时间,近期他又通过增加物质性和色彩体积感的新方法,进一步延伸了他从三维转化至二维的实践。

01 单色画

河钟贤

单色画,又称独色画,是二十世纪以来先锋派艺术的重要元素,通过单一色彩进行绘画创作,艺术家旨在探索同一色彩不同色值在画布上的演变,以及纹理与质感的微妙变化。由于它简约洗炼的构图,单色画在当代艺术中的魅力经久不衰。

河钟贤因他在20世纪70年代初的创作的”Conjunction“系列成名,这些早期的实贱使他建立了自己特有的风格:将颜料在麻布上推动。

参展艺术家:

他致力于重新定义现代艺术,并拒绝主流学术趋势,他开发了一个过程,将传统的过程转化为抽象的作品。在他最近的创作中,他扩大了他的实践范围,将三维转化为二维表面,通过试验新的方式增加物质性和颜色的体积感。

图里斯梅蒂-1929

河钟贤《接合17-401》布面油画 291 × 218 cm 2017年© Ha Chong Hyun – 摄影 /
Photo: Kim Sang-Tae致谢艺术家和阿尔敏·莱希,松美术馆在展

河钟贤-1935

第二次世界大战结束后的五年,韩国经历了内战的社会洗礼,这也致使艺术家由此受到触动,开启富有民族特点及时代特征的艺术运动和创作实践。选择了一条以内省、寻找独立身份和美学语言的艺术创作之路。

马克哈根 -1972

单色画派艺术尊重自然的“物”性,探索物质的丰富肌理和质感,创作过程中将物质转化为非物质化的“物”,转化为一种精神的存在。

亚历克斯伊斯雷尔
-1982————————————————————-

河钟贤《接合17-303》布面油画 291 × 218 cm 2017年© Ha Chong Hyun – 摄影 /
Photo: Kim Sang-Tae致谢艺术家和阿尔敏·莱希,松美术馆在展

图里斯梅蒂《无题》布面丙烯226.1 223.8 3.8 cm维维安斯普林福德管理协会The
Vivian Springford Administration 摄影 / Photo: Matt
Kroening致谢维维安斯普林福德管理协会

单色画派的创作不是简单的用单一颜色画画,它具有丰富的内涵和美学哲理。单色画派艺术强调“还原”,化繁为简,追求自然、质朴和单一化,舍弃绘画的语义性、叙述性,舍弃形象、符号和三度空间呈现,舍弃一切视觉表象,回归到最基本形态,还原零度状态。

图里斯梅蒂的绘画创作极具雕塑性他在画布下自由地分布自制椭圆形木具,他的画面在光影与黄色、红色、黑色等单色平面的交织中形成类似浮雕的效果。通过对椭圆形图案的重复使用,他尝试建立一种非常规的书写系统,使画布表面不再局限于物质性原则,而只可容纳静默。

河钟贤《接合17-302》布面油画 291 × 218 cm 2017年© Ha Chong Hyun – 摄影 /
Photo: Kim Sang-Tae致谢艺术家和阿尔敏·莱希,松美术馆在展

河钟贤《联合 17-303》亚麻布、油彩Oil on hemp cloth291 218 cmConjunction
17-303,2017 Ha Chong-Hyun 摄影 / Photo: Kim
Sang-Tae致谢艺术家和阿尔敏莱希

单色画派将绘画行为的全然“过程”视为艺术本身,作品是行动而不是表达,画面就是行动的场域。在创作过程中隐去个人呈现,在周而复始的反复动作中,不断掏空自我,即从一切束缚中释放出来,进入真正的存在,延展出一种生命状态。

20世纪70年代初期,河钟贤凭借 联 合
系列作品声名鹊起。这些早期试验帮助他创立了自己的标志性风格,即将颜料厚涂于麻布背面,然后向正面按压使其穿透布面纹理。作为韩国单色画运动的重要成员,他对材料和绘画工艺的创新在东西方前卫艺术与传统之间架起了一座桥梁。
他的创作需要耗费极大的体力和时间,近期他又通过增加物质性和色彩体积感的新方法,进一步延伸了他从三维转化至二维的实践。

松美术馆展厅

马克哈根《未命名》粗麻布、丙烯、塑形泥162.6 162.6 5.1 cmTo Be Titled
(Phthalo Green),2017 Mark Hagen 摄影 / Photo: Hugard Vanovershelde
Photography致谢艺术家和阿尔敏莱希

类似按压颜料使其穿透麻布的方法同样可见于马克哈根的创作中:他按压颜料,使其穿透长粗麻布,晕染到下面垫有玻璃板的褶皱型塑料和按几何形状切割的瓷砖等材料上。等到颜料干燥后,再将布料取出,其印满痕迹的背面反而作为作品的正面向公众展示。

亚历克斯伊斯雷尔《无题》丙烯、灰泥,木头、铝框架213 213 7 cmUntitled
(Flat),2012 Alex Israel 摄影 / Photo: Rebecca
Fanuele致谢艺术家和阿尔敏莱希

在参展精选作品的作者中,亚历克斯伊斯雷尔是最年轻的一位艺术家,他的创作象征着抽象艺术在当下的延续。此次展出的平面系列是伊斯雷尔的代表作品,他将画布剪裁,模糊了绘画与雕塑的界限。画面灵感来自洛杉矶建筑和城市景观,让人联想到抽象的落日。

02 光线与空间运动

光线与空间运动这种艺术兴起于1960年代的美国,其最早期实践者是罗伯特欧文以及詹姆斯特瑞尔。正如其名,光线与空间运动是一种以光线为媒介创作的艺术形式。此类艺术可以被表现为发光的雕塑,抑或是用光影效果来塑造出的雕塑。这些雕塑可以是暂时性的,也可以是永久性的,既可以在室内空间中展出,也可以在户外展出。光线与空间运动作品中,光与建筑的互动通常是作品十分核心的部分。

参展艺术家:

詹姆斯特瑞尔-1943————————————————————-

詹姆斯特瑞尔《樱桃》空间投影装置Cherry,1988 James Turrell 摄影 / Photo:
Florian Holzherr致谢艺术家和阿尔敏莱希

光线是抽象艺术中常用的材料,并在本次展览中扮演重要的角色。由美国艺术家詹姆斯特瑞尔的数组作品构成的特别展示完美地诠释了这一元素。逾半个世纪以来,特瑞尔在创作时始终直接利用光线和空间向观众展现人类感知的极限和奇迹。特瑞尔是一名狂热的飞行员,天空是他的画室、材料和画布,他的飞行时间已达一万两千小时。他曾学习感知心理学,并受童年时代对光线的爱好所影响。他说,我的作品没有对象,没有图像,也没有焦点。什么都没有,那么,观者看到的是什么?是自己在观看的行为。对我来说,关键在于创造一种沉默的思想体验。

03 抽象和具象之间

抽象绘画是在具象艺术的母体中孕育而生的,并通过具象运动分裂成新的派别。它们源自一脉相承的艺术传统。一般被视为具象艺术中的一些分支,比如装饰艺术,因其对图案几何化的利用,实际上可以也可以被视为是徘徊在具象与抽象之间;与此同时,许多对具象艺术有着深远影响的社会变化,如消费型社会的运作,货币的流通,也同样为抽象艺术提供了灵感。抽象与具象,这两者本身就是互相依存、缠结、渗透的绘画元素。

参展艺术家:

金昌烈-1929

约翰M阿姆利德-1948

西尔维夫拉里-1961

安瑟姆雷尔-1970

徐渠-1978————————————————————-

金昌烈《水滴》布面油画181.6 229.9 3.2 cm Kim Tschang-Yeul 摄影 / Photo:
Matt Kroening致谢艺术家和阿尔敏莱希

金昌烈是目前在世的韩国最伟大画家之一。1969
年,金昌烈定居巴黎,并用了四十余年时间钻研一个独特的主题:水滴。水滴是其独特和标志性作品的起点,这些作品将抒情抽象、波普艺术和中国书法融为一体。其作品简约纯净,巧妙地融合了道家智慧、现代讽刺概念和韩国战争的悲剧题材。金昌烈既有禅修者的克制,又有早期绘画大师的笔触,在东西方文化的影响力中找到了绝佳的平衡点,并对其曾经历的诸多艺术运动进行了深刻反思。

约翰M阿姆利德《贝詹姆特》布面综合材料225 150 cmBezamt,2018 John M
Armleder 摄影 / Photo: Annick Wetter致谢艺术家和阿尔敏莱希

自二十世纪 60
年代末以来,约翰M阿姆利德投身于激浪派运动,开始创作各类作品,包括行为、雕塑、素描以及油画。1979
年,阿姆利德凭借其家具雕塑系列作品蜚声国际,该系列作品融合了设计和抽象油画的标志性特点,探索装饰与艺术之间的关系。此外,备受青睐的倾倒绘画和水坑绘画系列也令他广受赞誉:他在垂直或水平放置的画布上随意倾倒颜料,然后用各种前卫材料加以混合。

西尔维夫拉里《眼影腮红盘》布面和木面丙烯152.5 307.8 10.8 cmSoleil Eye
and Cheek Palette (Winter 2018),2019 Sylvie Fleury 摄影 / Photo: Dai
Ruoying致谢艺术家和阿尔敏莱希

二十世纪 90
年代初,西尔维夫拉里成为全球艺术舞台上的一个重要女性角色。她深入研究以现成品为材料进行创作的传统,同时借鉴波普和极简艺术的视觉元素,探索当代消费主义大环境下的女性、艺术、以及时尚的准则。通过其巨大的彩妆盘,夫拉里对化妆品背后的欲望与权利结构提出了质疑,并对剪裁画布这一艺术语言进行了探索。这些被放大的化妆品图像近乎成为了几何图案的抽象组构,使她的创作徘徊于抽象和具象之间。

安瑟姆雷尔《无题》混合材料、丙烯、玻璃176 149 24 cmUntitled,2017Anselm
Reyle 摄影 / Photo: Anselm Reyle Studio致谢艺术家和阿尔敏莱希

安瑟姆雷尔创作了大幅抽象绘画、现成物雕塑以及霓虹般色彩夺目的装置。他探索聚酯箔或镜面等创意材料,将绘画和雕塑的流行美学朝着装饰概念的方向拓宽。

徐渠《货币战争 – 新和旧的 100 元港币》布面丙烯、喷漆150 158 cmCurrency
Wars – HK 100 dollar new and old,2017-2018 Xu Qu致谢艺术家和阿尔敏莱希

中国艺术家徐渠在德国期间曾师从阿姆利德。回到中国后,他发展出了不拘一格且富于变化的创作风格,对权力关系和欲望进行着持续的探索。在货币战争系列作品中,徐渠将全球各地纸币上的图案细节转换为多彩的抽象构图。因此,他的作品蕴含了文化和金融的双重意义,反映出艺术品到商品这一常见转化的运行机制。

04 色域艺术

色域艺术大约于1948年诞生于美国,从欧洲现代艺术中汲取灵感,并被认为与抽象表现主义有着密切的联系。色域艺术的特征为画布上散落分布的大型色块,色斑,通常色彩之间边界氤氲不清。相比起创作过程,该艺术形式更注重最终呈现出的形态的统一性。通过对线条,同心圆,以及其他简洁的几何形态,色域艺术令人联想起大自然景观。色域艺术旨在唤起观者崇高的冥想和超然的感受,从而使其进入沉思的状态中。

参展艺术家:

维维安斯普林福德-1913

让-巴蒂斯特贝尔纳代
-1978————————————————————-

维维安斯普林福德《无题》布面丙烯226.1 223.8 3.8
cm维维安斯普林福德管理协会 The Vivian Springford Administration 摄影 /
Photo: Matt Kroening致谢维维安斯普林福德管理协会

在本次展览的所有艺术家中,维维安斯普林福德所处的年代最为久远。作为美国抽象派画家,她是二十世纪中叶美国女性艺术家的一个典型代表。她从起初的抽象表现主义转身色域绘画,并于
1970
年创造出一种特殊的染色油画手法:她用她特有的水墨画技法,使彩色线条晕染扩展成为多层颜色,更具抽象和水洗效果。她的创作主要受东亚艺术和文字尤其是中国书法、道家和儒家思想影响。

让 – 巴蒂斯特贝尔纳代《无题》布面油画205 290 cmSans titre (Temps
Gris),2016 Jean-Baptiste Bernadet 摄影 / Photo: Rebecca
Finale致谢艺术家和阿尔敏莱希

让-巴蒂斯特贝尔纳代在展览艺术家中属最年轻的一辈,他的绘画同样为抒情抽象风格,将鲜明的色彩与光线融合。他受到艺术史上多位先辈的影响,从莫奈、维亚尔和蒙克到当代的乔布拉德利和乔什史密斯。贝尔纳代和色彩派绘画的先辈一样,利用不同色彩以及其相互作用来激活感官,同时也使观者思索这一体验的本质。贝尔纳代的绘画手法看似十分简单,实则需要用细画笔渐进、系统地勾勒色域,并且时常跟随灵感,使用明亮甚至是柔和的油彩快速绘制大量线条。

05 表现主义

表现主义一般被认为是一种透过形状和颜色以主观方式来表达,而非直接描绘自然世界的艺术。这种艺术形式不以描绘具象为目标,而是通过点,线,面,色彩,形体,和构图来传达情绪。表现主义完全通过富有激情的色彩和饱含生命来抒发艺术的情感强度。

参展艺术家:

君特福尔格-1952————————————————————-

君特福尔格《无题》布面油彩、丙烯175 215 2.5
cmUntitled,2007私人收藏,香港 2019 Estate Gnther Frg, Switzerland / VG
Bild-Kunst Bonn 摄影 / Photo: Alex Delfann私人收藏,香港

二十世纪 70
年代中后期,君特福尔格在德国美术学院深造后,开始创作单色壁画,并在画中借用周围环境的色彩。他从恩斯特威廉内、皮特蒙德里安、巴尼特纽曼、布林奇巴勒莫以及罗伯特赖曼等众多抽象派大师的创作中汲取灵感。例如,此次展出的福尔格的
网格画系列以保罗克利二十世纪 30
年代的小幅水彩为基础,将其中的细节放大至可观的尺寸。在福尔格晚期的作品中,网格变得愈加随意,甚至让位于近似涂鸦的色块堆砌。同时展出的青铜雕塑所彰显出的抽象性和原始性让人联想起二十世纪早期现代主义,为整个展览又增添一份深意。

松美术馆创始人王中军先生在展览开幕式上与在场嘉宾分享了自己收藏的心得和松美术馆的公益性。他希望美术馆可以增进公众对中国当代艺术的理解和欣赏,为中国当代艺术发展带来推动,为中国艺术教育带来影响。希望这里吸引的,不仅是收藏家、艺术家,更有大众的关注,并成为社会的艺术文化聚合地,架起艺术与大众间的桥梁。

松美术馆创始人王中军先生

松美术负责人王端在开幕式上表示:这次群展,让我们清晰的感受到艺术家们对抽象艺术传统的延续,以及他们通过不同方式为抽象艺术带来不同程度的创新。英文主题Abstraction(s),将Abstraction加上了括号与s,一个英文复数的变形,这不仅是策展人的妙想,更是他的策展理念,希望借由这样的直观的名称来表达抽象的多种方式。而中文–隐形于色,则侧重凸显了此次展品的斑斓色彩,这些色彩与夏天的气氛非常契合,当这十三位艺术家所带来的不同形式的抽象和绚烂色彩汇集于松美术馆的白房子中,我们希望以此再次为北京热爱艺术的朋友们带来视觉的冲击与心灵的震撼!

华谊艺术公司副总裁、松美术馆负责人王端

展览策展人尼古拉斯特瑞布雷表示,这些艺术家共处一室,展现了当下抽象艺术的多样性:他们的作品之间在形式上存在诸多关联,而对色彩的探索则是这次展览中连结它们的主线,正如中文标题隐形于色所揭示的那样。

展览策展人尼古拉斯特瑞布雷

作为此次展览的学术主持,中央美术学院博士生导师王春辰认为,此次展览的这批抽象作品都是以色彩取胜,以色彩为创作目标,将色彩作为表现对象。色彩作为构型、色彩作为形状、色彩作为表现,代表了新抽象艺术的特点。

中央美术学院博士生导师王春辰

他表示,这批抽象作品显示了当下的抽象艺术创作状态。它既反映了抽象艺术依然强劲发展,同时也催发艺术家寻找更多新的方法来扩大抽象绘画的表现力,新抽象意味着抽象艺术语言已经日常化,与现代人的视觉经验和习惯已经高度契合,对它的观览和欣赏都是当代人的日常功课。新抽象还有其他的语言方法,与绘画的多种理论共同构成今天的绘画艺术世界。

嘉宾合影从左至右:阿尔敏莱希亚洲总监张震中、
中央美术学院博士生导师王春辰、松美术馆负责人王端、艺术家西尔维夫拉里、阿尔敏莱希画廊艺术统筹Gwenvael
Launay 、松美术馆创始人王中军先生、展览策展人尼古拉斯特瑞布雷

从左至右:松美术馆负责人王端、展览策展人尼古拉斯特瑞布雷、艺术家西尔维夫拉里在展览现场

策展人尼古拉斯特瑞布雷导览

展览现场

从亚洲到美国以及欧洲,本次展览中的艺术家在延续抽象艺术传统的同时也为其带来创新,见证着抽象艺术的生机、多元和向心力。这些艺术家虽然生于不同年代,来自不同地域,并且拥有不同的实践经历,但都投身于对抽象艺术的探索和革新之中,他们的作品在展览中的共存形成了对话。展览的英文标题Abstraction(s)词末被加上了代表复数的s,指在本次展览中,艺术家们运用了各种方式聚焦抽象艺术,结合色彩这一基本主题,也是当代艺术家们在本次展览的焦点之一。

展览现场

展览现场

展览于2019年7月20日正式对公众开放,持续到2019年11月17日。在展览期间,松美术馆一如既往以观众为重心,推出一系列公众体验活动,让热爱艺术的朋友们来到松间,走进斑斓的抽象艺术之中。这个夏天,松不是白色、也不是绿色,而像彩虹一般色彩缤纷!

编辑:江兵